讓臺灣時尚的故事，從不同視角展開 ── 感謝臺北時裝週 SS27 媒體夥伴，共同記錄臺灣時尚的當代風景

一場時裝秀，從燈光亮起到謝幕，或許不過短短數十分鐘。然而，服裝所承載的創作思考、文化記憶與時代精神，往往需要更多時間才能被細細閱讀。

從伸展台上的創意交鋒，到設計與文化、城市及日常生活的相互激盪，每一篇報導都是我們理解臺灣時尚的契機。透過媒體各具特色的編輯視角，設計師的創作得以走出秀場，讓作品背後的故事與思考，觸及更多讀者與觀眾，也為臺灣時尚留下值得反覆品味的當代紀錄。

巨蛋展覽提供

臺北時裝週於SS27首度移師文化空總，於古蹟廣場辦理 RUNWAY，與逾八十年的歷史建築相映成趣。（ 巨蛋展覽 提供）

「臺北時裝週 SS27」於10月15日至18日首度移師空總國家文化基地。紅磚建築與當代服裝相映成趣，品牌展演、風格展、產業交流與城市活動在此交會，臺北時裝週也逐步從作品發表的舞台，走向串聯品牌培育、商務媒合與國際拓展的產業支持平台。

本季，我們攜手21家橫跨時尚、設計、文化及生活風格領域的國內媒體夥伴，以各自擅長的語言描繪臺灣時尚的多元面貌。這些報導不只是展會的即時紀錄，也讓不同創作觀點得以彼此對話，為臺灣時尚開啟更多值得探究的篇章。

01｜穿過秀場現場，看見秀展精彩片刻和創作故事

服裝可以是一種美學表達，也能成為文化、工藝與時代精神的載體。

國際指標性時尚媒體《VOGUE Taiwan》以「打破時裝秀伸展台邊界」為題，將本季場域轉換與平臺轉型並置觀察。從空總的歷史背景、身體與服裝的關係，到風格展、買家媒合及品牌支持機制，帶出臺北時裝週從展演走向產業支持平臺扎根的轉變。展後更以品牌總覽，細緻梳理13家時裝品牌的創作特色，從工藝、文化到科技與生活經驗，呈現臺灣設計豐富而多樣的創作語彙。

Daniel Wong 於文化空總古蹟廣場為臺北時裝週揭開序幕，以責任、自我、尊重、日常、自信與探索六個面向為主題，透過馬術元素、立體剪裁等，呈現服裝規範與自我表達間的關係。（巨蛋展覽提供）

深耕國際時尚與女性生活風格的《ELLE Taiwan》將目光投向三位女性設計師如何重新詮釋臺灣時尚。從 AISH 藉由舊衣重構，承載跨世代的情感記憶、JENN LEE 將傳統旗袍工藝、天然染色與植物移印染技術帶入服裝設計，到 GIOIA PAN 以針織技藝演繹蝙蝠俠的暗黑精神，三種看似迥異的創作路徑不約而同地展現服裝技藝與當代的對話。

同樣關注時尚與藝術美學的《Harper’s BAZAAR Taiwan》則從臺北時裝週首度移師空總的全新面貌出發，報導以服裝作品為線索，串聯工藝傳承、在地文化、跨界合作與永續實踐，呈現臺灣設計師各擅勝場的創作語彙，也讓讀者得以從不同品牌的美學探索中，看見臺灣時尚兼容並蓄的當代面貌。

AISH 以《Reunion｜重逢》為題，透過舊衣拆解、拼接與修補，串連世代間的情感與羈絆。

JENN LEE 以「控制與失控的研究」為題，與75歲的臺灣旗袍師傅陳寶玉合作，運用手工一字扣、刮漿糊、手縫滾邊及縮拔燙等傳統技法，並將經典旗袍的「三道胸褶」融入當代剪裁，讓傳統工藝成為系列設計語言的一部分。

GIOIA PAN 以「暗夜織語」為題，從蝙蝠俠、高潭市汲取靈感，結合針織工藝與異材質，轉化城市中的光影與人物形象。

以時尚、女性觀點與生活風格為主要關注領域的《Marie Claire 美麗佳人》，則在展會整體觀察之外，進一步走進Story Wear的創作實踐，從1,250件回收牛仔褲如何經過拆解、重組，成為新一季服裝的過程切入，延伸至臺灣傳統織藝、在地職人與社會參與，讓讀者理解循環時尚不僅是材料再生，更關乎設計如何回應人與土地的關係。

聚焦產業動態、設計文化與品牌創作的《BeautiMode》則以持續而深入的專題報導，從產業轉型到品牌創作，細細梳理臺灣時尚的多元面貌。從展前探討臺北時裝週如何透過品牌培育、商務媒合與市場拓展建立產業支持體系，到展期及展後陸續推出設計師專題，不僅記錄新一季的作品特色，更從創作緣起、材料工藝與文化脈絡出發，追索服裝背後值得細究的故事。

JUST IN XX 以《文化量產系統 Uniformosa》為題，將博物館、餐廳、超市與校園的制服依創作年代帶上伸展台，混搭 JUST IN XX 時裝、JINS 眼鏡與 D+AF 鞋履，讓熟悉的工作服換上新造型，展現下班後也想穿的時尚魅力。

其中，對 JUST IN XX 設計師周裕穎的兩篇報導，從《文化量產系統》展覽回望21年的制服設計歷程，甚至將未獲採用的提案納入討論，進一步探問服裝如何兼顧美感、工作機能與文化識別；而在品牌創作的觀察上，從 INFDARK 如何將《夜訪吸血鬼》與不同時代的服裝美學交織、GIOIA PAN 透過針織工藝詮釋超級英雄的內心世界，到 Claudia Wang 將個人記憶轉化為花卉印花與柔軟輪廓，皆細膩呈現設計師如何將抽象的情感與想像，凝聚為具體的服裝語言。

Claudia Wang 2027春夏系列《In a Room of One’s Own》以個人情感經驗為起點，從旅居英國期間的春日時光汲取靈感，將花草氣息、自然光影與日常生活中的細微感受，轉化為關於記憶、失去與自我重建的服裝敘事。

此外，報導亦循著 Daniel Wong 對穿著規範與個人風格的思考、CHARINYEH 從臺灣海洋生態發展的立體剪裁，以及 Story Wear 對日常工作者、循環材料與傳統織藝的關注，讓設計與社會文化之間的連結更加鮮明。這些由產業觀察延伸至個別創作的報導，不僅展現媒體持續追蹤品牌的投入，也讓讀者得以從一件衣服出發，理解設計如何回應生活經驗、文化記憶與當代議題。

這些專業媒體的觀察，讓服裝不再只是秀場上的單一畫面。從產業脈絡、設計工藝到文化記憶，不同視角相互映照，也讓臺灣時尚的創作底蘊得以被更細緻地認識。

精選報導

VOGUE Taiwan｜2027春夏臺北時裝週大秀品牌總覽：Daniel Wong、GIOIA PAN、INFDARK、INMORIES及JENN LEE…
ELLE Taiwan｜臺北時裝週2027春夏亮點一次看！Gioia Pan大秀竟出現蝙蝠俠？這3位女性設計師正重譯台灣時尚
Harper’s BAZAAR Taiwan｜臺北時裝週首度移師空總！集結13個台灣設計師品牌發表2027春夏新作
Marie Claire 美麗佳人｜1250件舊牛仔褲變成時裝！台灣品牌Story Wear從紐約紅回台北，2027春夏5大亮點
Beautimode｜連落選提案都公開？《文化量產系統》集結21年制服作品，一窺周裕穎的設計思考

02｜當時尚遇見生活，風格便有了更多表情

時尚與日常生活之間，從來沒有一道涇渭分明的界線。流行文化、運動、音樂，乃至於個人的穿著選擇，都可能成為設計的靈感來源。

聚焦男性時尚與當代生活風格的《GQ Taiwan》，將臺灣風土、籃球與蝙蝠俠等元素串聯成一幅別開生面的男裝風景。這些看似迥異的創作題材，經由設計師的轉化，成為具有鮮明個性的服裝語彙。

無論是 INMORIES 將籃球的身體節奏融入服裝輪廓、JUST IN XX 透過制服重新演繹臺灣文化，或是 WEITZUYUAN 從自然、神話與信仰汲取靈感，都讓男裝的討論跨越單純的穿搭趨勢，展現臺灣設計與在地文化之間的緊密連結。從專題文章到社群影像，也為讀者開啟不同形式的時尚觀看。

WEITZUYUAN 2027春夏系列以《Silent And Subtle 無聲有息》為題，從臺灣的風出發，將人文地理、自然景觀與宗教信仰轉化為服裝創作語彙，以「風」、「峯」、「酆」三大系列，探索臺灣文化的多元面貌。

擅長從女性視角捕捉流行趨勢、時尚美學與當代生活文化的《COSMOPOLITAN》則以蝙蝠俠針織、哥德旗袍與籃球時裝等鮮明的視覺符號，回顧五場品牌大秀。透過大眾熟悉的流行元素，將不同品牌的設計特色轉化為容易親近的閱讀題材，讓讀者即使不熟悉時裝專業，也能從感興趣的文化符號出發，發現臺灣設計的巧思。

聚焦女性健康、身心平衡與當代生活方式的《Women’s Health》，則從 Yentity 春夏系列出發，探討榮格心理學中的自我探索，如何透過服裝的線條、材質與輪廓具體呈現。從柔軟與力量、感性與理性的對立共存，到臺灣機能布料的創新運用，將時尚與身體感知及個人表達相互連結，開展出不同於傳統秀場評論的觀看角度。

Yentity從榮格心理學中的 Anima 與 Animus 出發，思考理性與感性、力量與柔軟之間的關係；並將臺灣機能布料帶入日常時裝，讓舒適、活動性與實穿需求自然融入品牌一貫俐落、安靜的輪廓。

長期耕耘男性精品文化與生活品味的《men’s uno》從臺北時裝週進駐空總的場域轉變切入，關注品牌發表、形象展演與風格展如何共同呈現臺灣設計軟實力，並帶領讀者認識時尚從展演走向城市與市場的多元面貌。以人物、文化與美學內容見長的《WE PEOPLE》，則在展會整體紀錄之外，深入 INFDARK《MACRO / MICRO》的創作世界，從橫跨數百年的服裝美學，到天然大理石紋理與時裝藝術的跨界結合，呈現歷史風格、材料實驗與當代創作之間的對話。

繼倫敦時裝週亮相後，時裝品牌 INFDARK 帶著2027春夏系列《MACRO / MICRO》回到臺北時裝週，以安．萊絲（Anne Rice）的經典作品《夜訪吸血鬼》為靈感，將橫跨近七百年的歷史服裝元素，轉化為融合時裝、舞蹈與劇場表演的當代哥德美學。

當報導從作品進一步貼近創作者本身，設計的輪廓也變得更加鮮明。

以設計文化、藝術美學與人物觀察為核心的《DFUN》從空總紅磚建築與當代時尚的交會出發，關注本季展演、文化場域與產業轉型的多重意義；更透過深度專訪，走進 JENN LEE 的創作現場。以「約束與失控的臨界點」為題，從設計師與傳統旗袍打版師陳寶玉的相遇談起，細究東方旗袍工藝如何與哥德式輪廓相互碰撞，以及天然植物移印染如何在皮革上展開嶄新的材質實驗。

深受大眾熟悉的《女人我最大》，則以美妝、穿搭與生活風格為核心，透過節目與數位內容，讓臺灣設計師品牌有機會走進更廣泛的日常生活場景。本季邀請 WEITZUYUAN、CHARINYEH、AISH、Yentity 與 Story Wear 五個品牌參與錄影，讓設計師親自分享創作理念，並透過不同情境的穿搭示範，重新思考秀場服裝如何融入日常。從伸展台到螢光幕前，不僅讓觀眾認識品牌的風格特色，也創造設計師與更多大眾直接交流的機會。

以「流動、包覆、呼吸」為核心，CHARINYEH 透過延展的輪廓、層疊剪裁與輕盈材質，在結構與柔軟之間尋找平衡。

關注風格人物與品牌經營《SOLER 風格誌》則從一件衣服被看見之後，如何進一步走入市場與生活的提問出發，串聯沉浸式展演、風格展及品牌發展等不同面向，並透過展後回顧延伸至設計新秀與國際商務，讓讀者看見時裝週從作品展示到產業交流的多重角色。

從流行話題到人物專訪，從文字報導到節目與社群影像，這些各有所長的內容形式，讓臺灣時尚不再侷限於既有的專業圈層，而能在不同讀者與觀眾的生活經驗中，找到共鳴。

精選報導

03｜當服裝走進城市，時尚的想像也隨之延伸

本季臺北時裝週首度移師空總國家文化基地，讓歷史建築與當代時尚有了交會的契機。隨著服裝走入空間、藝術與城市生活，設計與文化媒體也從不同領域出發，為臺灣時尚拓展出更豐富的討論。

深耕設計與生活美學的《La Vie》，本季以「身體」為原點的主視覺切入，讓讀者從視覺設計出發發現臺北時裝週SS27的平台精神與季度亮點。另一方面，透過精心整理的逛展指南，將風格選物、限定工作坊與風格食光串聯起來，讓時尚不再只是遠觀的展演，而能成為一段親身走訪、細細體驗的城市旅程。

對於永續議題，《La Vie》也延續其設計觀察，從 Story Wear「Love Revolution: A Story of Taiwan」的循環時尚實踐，到露得清、屈臣氏、Story Wear 與腦麻協會的跨界合作，帶出材料再生、社會參與與品牌協作之間的關係。當回收材料化為新的服裝與展演形式，永續便不再停留於抽象理念，而有了具體可感的實踐。

臺灣零廢棄時尚品牌 Story Wear 將永續設計與臺灣在地文化融入服裝創作，透過回收丹寧、異材質拼接與手工縫製，讓曾經被丟棄的布料重新成為時尚，也讓每一件作品承載著人與土地的故事。

關注設計美學與當代生活風格的《EVERYDAY OBJECT》則將目光投向 oqLiq 與 WISDOM® 攜手策劃的《CONSTRUCTIVISM》概念展覽，呈現服裝不只是穿著之物，也能透過空間、裝置與視覺表現，延伸出更完整的設計敘事。

oqLiq攜手Wisdom®，以《Constructivism｜構築》結合科技丹寧與機能剪裁，重新詮釋代城市丹寧。

同樣從生活美學出發的《HOUSE STYLE 時尚家居》持續關注時裝設計師的跨域實踐，從 Story Wear 以「愛」為核心的永續行動、GIOIA PAN 以服裝詮釋 DC 的精神的暗黑美學，到 INMORIES 將籃球文化融入當代服裝，呈現不同創作領域如何在時尚之中交會。

關注時尚創作、藝術文化與風格趨勢的《La Listo》則展現持續追蹤品牌創作與發展的編輯特色。從回望臺北時裝週AW26、迎接 SS27 的新篇章，到報導 INMORIES 與 TPBL 的籃球跨界、CHARINYEH 的春夏系列，以及 ISABELLE WEN《溫式美學—成為之所以》的沉浸式展演，透過不同主題與時間節點的紀錄，讓讀者得以從單季作品之外，認識臺灣設計師持續演進的創作脈絡。

臺灣時裝品牌 INMORIES 攜手 TPBL 台灣職業籃球聯盟，以籃球文化為創作起點，從球場線條、身體節奏與移動軌跡汲取靈感，將運動中的秩序與能量轉化為服裝的輪廓與比例。

關注文化議題、人物敘事與生活風格的《FLAT 43》亦從文化與品牌故事的角度，關注臺北時裝週及 Yentity 的創作實踐；《Off》與《hence,》則以社群圖文為載體，讓讀者透過另一種閱讀方式，接觸臺灣設計師的作品與展演現場。

長期關注時尚趨勢和生活風格的《Bella 儂儂》亦於10月出版的第509期雜誌中刊載臺北時裝週 SS27 展前消息，透過紙本刊物向讀者介紹本季展會動態。從社群圖文到紙本雜誌，不同媒體各展所長，也讓臺灣時尚的創作與活動紀錄，透過多元形式持續被閱讀與分享。

從一幢歷史建築出發，臺北時裝週讓當代服裝與城市空間、工藝傳承、永續實踐及生活文化展開對話。這些各有側重的報導，不僅呈現設計師豐富的創作面貌，也讓讀者看見時尚如何與不同領域相互連結，成為理解當代文化與生活的一種途徑。

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NETPOSITIVE 趨光攜手ISABELLE WEN 溫慶珠將 ISABELLE WEN 自1986年創立以來40年的服裝創作、時尚影像與秀場記憶，轉化為融合服裝、影像、聲音、光線與空間的沉浸式時尚展演。

04｜一場秀有謝幕的時刻，故事卻仍在繼續

從展前的議題醞釀、記者會上的第一手觀察，到展期間的秀場直擊、人物專訪與影音製作，每一篇報導背後，都有媒體編輯、記者、攝影與製作團隊投入的時間與心力。如何從眾多品牌中找到值得深入的故事，如何在有限的篇幅裡呈現創作的獨特性，又如何將專業設計語彙轉化為讀者能夠理解的內容，這些細緻的編輯工作，讓一場展演得以留下更長久的文化紀錄。

有人關注時裝週從展演走向產業支持的轉變，有人循著設計師的創作脈絡，追索服裝背後的工藝與文化記憶；有人從運動、流行文化與日常穿搭中發掘時尚的親近之處，也有人將目光投向建築、永續與跨界合作，讓設計與更廣泛的社會文化議題產生連結。這些觀察各有側重，卻也彼此映照。正因為觀看的角度不盡相同，臺灣時尚才得以呈現更加豐富而立體的樣貌。

感謝本季所有媒體夥伴的參與與投入。從一篇深度專訪、一則品牌報導，到現場影像與節目企劃，每一份內容都承載著不同的編輯觀點與專業付出。這些文字與影像，共同記錄了本季臺北時裝週的創作風景，也為臺灣時尚留下值得持續閱讀與討論的內容。