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全新系列《Dress Code》探索規範、自由與自我之間的平衡。

服裝，是一種無聲的語言。每一種 Dress Code，都代表一種身份、一種文化，也是一種進入不同場域的通行密碼。

Daniel Wong 全新系列《Dress Code》以軍裝、正裝、印花與日常服飾重新解構 Dress Code 的定義，探索「什麼時候穿什麼衣服」背後所代表的文化、禮儀與個人價值。
Dress Code 從來不是限制，而是理解每一個場合、每一段關係，以及每一個角色的開始。

本季以「控制與失控之間的張力」為核心，探討節制與爆發之間的臨界狀態。作品從一種看似平靜的表面出發，如同杯中水面維持水平，然而底層卻暗藏翻湧的力量，隨時可能溢出。

系列以傳統旗袍為基礎，延續其對身體的約束與修飾，並透過與一位75歲資深旗袍師傅的合作，深入研究工藝的細節與意義。在此之下，融入當代設計語彙與哥德式線條，將服裝轉化為一種承載情緒與能量的身體結構。

設計中透過開口、結構張力與材質對比，呈現內在力量逐漸滲出卻仍被壓抑的狀態。這些細節並非單純裝飾，而更像是從身體內部浮現的痕跡，象徵情緒、慾望與壓力在控制之中持續累積。

本系列試圖在東方與西方、傳統與當代之間建立對話，以含蓄而克制的方式，表達一種即將爆發卻尚未失控的能量，形成一種優雅而不安的張力狀態。

一件衣服的故事，不一定在離開衣櫃後就結束。當古著被重新穿上、經典服裝成為新的創作靈感，或舊衣料透過再製展開另一段生命，「舊」也可以成為新的時尚。
本場國際時尚沙龍從古著文化、服裝收藏、設計創作到循環再製，重新思考衣服的時間、價值與可能性。當我們不再只用「新品」定義時尚，而是透過重新選擇、重新詮釋與重新創造，讓過去與現在產生新的連結，也為永續打開更多想像。
一起來探索服裝的第二人生！

註：國際講者備有中文口譯，沙龍將以中文進行。主辦單位保留活動異動權利。


｜報名連結｜https://www.accupass.com/go/fashionsalon1016（免費報名，亦於官網同步直播）

本季主題以設計師於英國劍橋春日時光體驗的日常經驗為靈感，透過服裝設計描繪花卉與自然光影的意象，傳達對思念回憶的朦朧情緒/平靜生活的嚮往。
同時延續上一季睡眠與夢境的柔軟與層次輪廓，結合英倫感的紳裝設計細節，描繪柔軟溫暖卻內心強韌的優雅女性力量。

「衣服會舊，記憶不會。」

AISH SS27《重逢》從「一個家的衣櫃」出發，讓不同世代留下的衣物與記憶再次相遇。家人的舊衣、穿過的丹寧、西裝布、紗與蕾絲，經由拆解、拼接、手工縫製與可見修補，重新成為一件件新的作品。

對 AISH 而言，縫不是為了抹去時間留下的痕跡，而是讓它被看見、被延續。當不同世代的衣物重新縫合，延續的不只是布料的生命，更是一個家的情感與記憶。
衣服會舊，記憶不會；重縫的不只是衣服，也是時間與愛。

INFDARK SS27 以安． 萊絲（Anne Rice）經典作品《夜訪吸血鬼》為創作靈感，向小說中跨越近七百年的吸血鬼世界致敬。 隨著角色穿越不同世紀，服裝亦見證巴洛克、洛可可、維多利亞時期至當代的時代更迭，成為本季探索「時間、身份與美」的創作核心。

延續 INFDARK 一貫以當代視角重新詮釋歷史服裝的設計理念，本季擷取巴洛克的戲劇性比例、洛可可的細膩裝飾，以及維多利亞時期象徵權力與身份的披風、馬甲與立體剪裁，透過解構、重組與現代版型轉化，建立屬於 INFDARK 的當代哥德美學。

《夜訪吸血鬼》中不受性別框架限制的審美觀，也呼應 INFDARK 長期實踐的中性設計哲學。 服裝不再只是區分性別的工具，而成為個人身份、審美與自我意識的延伸。

SS27 不只是對歷史服飾的致敬，而是一場跨越七個世紀的時尚對話。 INFDARK 將歷史化為創作養分，以當代工藝重新書寫經典，在過去與未來之間，探索不受時間與性別定義的永恆美學。

本季以 WISDOM® × oqLiq 聯名概念「CONSTRUCTIVISM」為初始設定，將丹寧視為空間、時間與機能共同構築的載體。系列透過 COOLMAX® 丹寧、ONE WASH 水洗工藝、構造車線、立體剪裁與模組化口袋，讓材料的原始質地與服裝結構本身成為設計語言。

以點、線、面重新組合服裝與身體的關係，oqLiq 的東方結構美學與 WISDOM® 的城市移動思維在此共構，形成兼具體感與實用收納都會機能的新世代單寧系統。

本系列由臺灣靜默的風為發想，借由聲息體現：「風」、「峯」、「酆」系列關鍵字為創作軸心。經由文化萃取元素解構與重組，解離出人文「風」、自然「峯」、信仰「酆」...等3個系列：

「風」系列
臺灣九降風為發想，造就產業發展為大地餽蹭，並結合希臘風神Aeolus與印度神話風天為形象參考，帶出紫氣東來，粹取祥雲圖騰與紫色調性為設計。

「峯」系列
台灣山脈土地調性，帶出土地公護農桑、補財運之神靈元素山型紋理為布料運用與神靈式披肩轉化融入都會風，達福德神與眾生密不可分。

「酆」系列
神話冥界之地酆都為底蘊，與原住民祖靈文化及神話元素結合，且以複合媒材絲瓜纖維設計服裝造型與裝置藝術。

揉捻而成本次如沐春風春夏系列。
也藉由主題引導出臺式人文地理、宗教神靈與藝術話題之瑰麗，輕輕拂面你我呼吸之間。
本次發表以食、衣、住、行、育、樂為展演主軸，透過安立司食品集團的餐食、S.enyun森蘊友善織品蛋殼與鳳梨永續布料，提升居住品質的T.I.N.T STUDIO香氛、模特兒與舞者動態展演、關懷台灣多元議題與歌手獻聲之育樂... 等多方面合作一同共襄盛舉。

臺灣文化歷史、人文與議題一直是 WEITZUYUAN 服裝創作的思維與養分，反思議題的眾多角度，實驗材質的結合衝撞，探索輪廓可行性，希望可以透過服裝的藝術化呈現，與大眾對話以及共鳴，邀請一同共享熱愛創作的自由與沒有標準答案的時髦課題。

制服不只是工作服，更是一種承載文化、美學、機能與身份認同的設計語言。周裕穎梳理多年來的跨域制服設計實踐，從臺灣的設計能量、藝術創作、布料開發、工藝技術與產業製造出發，串連上游材料與布料開發、中游打版製作、下游場域應用，並集結藝術家、工藝師、設計團隊與製造者共同參與，完整呈現服裝從文化概念到量產落地的過程。

《文化量產系統》建立一套讓臺灣的美好透過設計被串連、被轉譯，並最終走入日常的方法。透過機能版型、工藝細節、文化圖像、藝術合作與當代剪裁的整合，讓觀眾看見臺灣美學如何從伸展臺延伸至國際外交場合、博物館、文化場館與城市日常。

本系列為 GIOIA PAN 與 Warner Bros. DC 超級英雄 IP 合作系列之一，以 DC 宇宙中「暗夜哥譚（Gotham City）」的城市氛圍與角色精神作為創作起點，透過高級時裝語彙重新詮釋當代城市中的力量、美學與情緒張力。系列靈感源自 Batman 所建構之夜行者形象，並延伸其遊走於秩序與混亂、光明與黑暗之間的精神狀態，轉化為屬於 GIOIA PAN 的當代暗黑時尚敘事。

《暗夜織語》以黑色作為系列核心基調，融合 DC 超級英雄世界中所象徵的神秘感、力量感與城市黑夜美學，結合結構輪廓、織紋肌理與印花語彙，呈現隱匿、守護與對抗之間的視覺張力。色彩運用從黑、黑白與黑灰層次逐步延伸至黃、紅及多彩印花，透過層層推進的視覺節奏，建構出從潛伏、擾動到重構的敘事過程，使系列於沉穩與衝突之間形成鮮明對比，並展現如同城市夜幕之下不斷流動的能量軌跡。

《暗夜織語》不僅是一個服裝系列，更試圖描繪當代城市中隱藏於黑夜之下的情緒狀態與精神能量，使「暗夜行動」轉化為一種兼具力量、神秘與未來感的視覺語言。系列藉由 DC 超級英雄文化與高級時裝工藝的融合，重新詮釋當代暗黑美學，並建構出屬於 GIOIA PAN 的城市時尚宇宙，在虛實交錯與情緒流動之間，呈現當代時裝對於角色精神、城市文化與未來美學的全新想像。

世界不平靜，戰爭成為日常，導致人與土地紛擾，此系列欲呼籲並喚醒「愛」的無限可能，不用激烈的語言反戰、而是臺灣獨有的溫柔與韌性，讓世界看到不一樣面貌的LOVE & PEACE。

每一個愛的小行動，成為為世界發聲的解方。從「臺灣視角」談論「愛」— 臺灣一直以來用韌性、與軟實力，努力讓世界看到國家的身份。但，我們仍然「選擇」善待他人。我們的血液裡流著革命的基因，卻選擇用愛讓世界聽見我們的聲音。

臺灣韌性無處不在：無畏風雨的臺灣騎士、臺灣的原住民聲音、藝術人與音樂的人的堅定意志、認真蓋房子的工人、在紅磚瓦街邊的路邊攤阿公阿媽集結起來的「愛臺」意識，這是臺灣韌性的精神象徵。他們的「穿著」就是這次 Story Wear 的設計靈感。

時尚從來不只發生在伸展台上。當服裝走進商業、科技、藝術與城市生活，也開始跨越產業、文化與國界，產生更多新的可能。
本場國際時尚沙龍邀請來自國際與臺灣的時尚產業代表，從跨國零售合作、數位科技應用到跨域設計實踐，分享時尚如何走出傳統框架，與不同領域展開新的連結。從時尚平台的跨國策略，到 AI、3D 與數位技術如何改變設計與產業，再到服裝與藝術之間的創意碰撞，一起看看時尚離開伸展台後，還能走向哪裡。
如果你也好奇時尚的下一步，歡迎一起跨越邊界，看見時尚之外更大的世界。

（註：國際講者備有中文口譯，沙龍將以中文進行。主辦單位保留活動異動權利。）

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CHARINYEH 2027 春夏系列《島嶼潮生 Island Tides》於 Rakuten Fashion Week TOKYO 2027 S/S 完成東京發表後，延續至臺北時裝週。

本系列從台灣四面環海的島嶼環境出發，將目光轉向海洋生命，以及海洋、身體與生活之間持續流動的關係。設計透過流動輪廓、空間感剪裁、立體結構與輕盈材質，轉化潮汐起伏與海洋生物的形態，重新描繪身體與服裝之間的空間。

從東京回到臺北，CHARINYEH 《島嶼潮生 Island Tides》以服裝重新觀看臺灣與海洋的關係，呈現一座島嶼在流動、包覆與共生之間所孕育的生命力。

在看似靜止的瞬間，捕捉運動的遞進過程，服裝成為「位移的載體」，記錄從起點至過程再到終點的轉化軌跡。
來自時間的堆疊，日復一日的動作、年復一年的習慣，逐漸形成「文化」。籃球是身體與空間的對話；服裝是身體與外界的語言，透過「運動 × 服裝」的交錯碰撞，將身體在運動過程中的位移、停頓、轉折轉化為服裝輪廓的變形與重組。
不再只設計「完成狀態的衣服」，而是設計「正在發生的過程」，無意間捕捉到的瞬間畫面。起跳前的壓縮、落地時的延展、轉身時的扭轉，被忽略的停頓畫面，傳球前的凝滯、防守時的側移。 視覺殘影與動態軌跡，身體移動留下的線條，這些「不被刻意觀看」的片段，成為設計的核心。